Pinturas de Pichvai de Nathdwara: un arte del siglo XVII que atraviesa un batido contemporáneo

Una forma de arte del siglo XVII que resalta los muchos estados de ánimo del Señor Krishna.

El arte de la adoración: Adoración de Shrinathji: las pinturas pichvai de Nathdwara se originaron en Rajasthan. La figura central era a menudo la de Shrinathji, el Señor Krishna cuando era un niño de siete años.

En 2016, cuando Pooja Singhal, una revivalista con sede en Delhi con experiencia en negocios, fue a buscar las famosas pinturas de pichvai en el templo local en Nathdwara, Rajasthan, quedó decepcionada. El lugar se inundó con Shrinathjis hechos con MDF (tableros de fibra de densidad media), dice ella. Los artistas pintarían con aerosol las imágenes y les pegarían pequeños cristales. Las imágenes parecían muy chillonas, dice. A pesar de conocer a muchos artistas, la mujer de 42 años luchó por encontrar la calidad que estaba buscando. Las generaciones más jóvenes de las familias de artistas ya no practican el arte y han pasado a formas contemporáneas, dice.

Uno de los estilos más exquisitos de la tradición pictórica india, las pinturas pichvai de Nathdwara, se originaron en el siglo XVII y florecieron bajo el patrocinio del templo de Nathdwara. La figura central era a menudo la de Shrinathji, el Señor Krishna cuando era un niño de siete años, con ojos en forma de media luna, una guirnalda de capullos de loto alrededor de su cuello y su brazo izquierdo levantado, una referencia a cuando el joven dios se levantó. monte Govardhan para proteger a los habitantes de Vraj de la inundación de Indra. Este y otros episodios de la vida de Krishna eran temas comunes para los artistas, que soñaban con composiciones detalladas, a menudo con delicados lotos rosados, vacas blancas con huellas de manos rojas en ellas y las gopis que rodeaban a Krishna. Las pinturas estaban en su mayoría en grandes piezas de tela llamadas pichvais, tradicionalmente utilizadas como telón de fondo para el ídolo en el haveli de Shrinathji en Nathdwara. Originalmente, estas eran obras de arte sacro, creadas por los artistas como expresión de su devoción y representaban los muchos estados de ánimo del señor.

La flor morada crece en la vid.

La misión de Singhal, durante los últimos seis años, ha sido el resurgimiento de esta forma de arte y para ello, en 2009, creó Pichvai Tradition and Beyond, una iniciativa donde se anima a los artistas de la tradición a crear obras que, manteniendo el estilo original, también se adhieren a la estética contemporánea. Mi madre es una coleccionista de arte y la casa en la que crecí estaba llena de arte hermoso de todo tipo, dice el empresario, que crecí en Udaipur, crecí amando los pichvais por los colores y los detalles minuciosos. Pero, cuando comenzó a adquirir arte por sí misma, Singhal descubrió que no podía conseguir nada parecido a los pichvais que poseía su madre.

Según Singhal, no fue solo el agotamiento del mecenazgo lo que contribuyó al declive de las pinturas pichvai. Muchos artistas mayores me dijeron que cuando comenzaron su aprendizaje, durante dos años más o menos, solo dibujarían. Luego, durante muchos años, aprenderían a rellenar los colores y hacer las composiciones. Pero sus hijos no quieren pasar años aprendiendo a moler y preparar los colores. Quieren usar plantillas, dice Singhal. Muchos de los jóvenes artistas hacen la base del cuadro con una pistola rociadora. Los verdaderos artistas nunca harían eso, dice Singhal.

En 2009, comenzó a buscar activamente artistas que pudieran hacer los trabajos de alta calidad que estaba buscando. En cualquier momento, estamos trabajando con entre 30 y 40 artistas. Algunos trabajan en nuestro taller, que está a las afueras de Udaipur, y otros trabajan en nuestras comisiones desde casa. Para Singhal, el resurgimiento de la forma de arte significa recuperar la técnica original, pero permitir intervenciones dentro del contexto tradicional de una manera que se vuelve relevante hoy.

Por ejemplo, Singhal alentó a los artistas a tomar los chaubees swaroop (24 estados de ánimo) de Shrinathji, típicamente representados a lo largo de los bordes del pichvai, y dividirlos en composiciones individuales en una escala más pequeña. También se animó a los artistas a recrear pichvais a gran escala en pinturas más pequeñas que se inspiraran en miniaturas. Se mantuvo el distintivo idioma Nathdwara de vacas de ojos soñadores, figuras humanas con cuerpos redondeados y grandes ojos almendrados. Sin embargo, muchas de las composiciones se modernizaron para ser menos abiertamente religiosas y para atraer a aquellos a los que les gustaba un aspecto más limpio y contemporáneo. Esto se hizo mediante el encargo de obras que representaban la arquitectura del complejo del templo o mediante el uso de bocetos en lugar de pinturas. Singhal dice: Los artistas primero hacen un boceto aproximado, luego agregan los colores y, finalmente, hacen el likhai, que es un boceto muy fino. Quería el likhai como el primer paso para algunas obras, pero los artistas tardaron un tiempo en entenderlo. Singhal también quería una serie de piezas del tamaño de una postal que mostraran cómo se hace el shringar de Shrinathji todos los días del año. Adquirió 300 de esos bocetos de un artista que había comenzado a grabar el shringar diario del señor como un proyecto personal. Sin embargo, el artista, cuyo nombre se desconoce, murió antes de poder completar el proyecto. Los 65 restantes fueron completados por artistas en el taller de Singhal.

Los mostramos en nuestra exposición en la Bienal de Kochi-Muziris. La gente los amaba e incluso los compraba, dice Singhal.

En definitiva, dice Singhal, el futuro de cualquier arte está ligado al interés comercial que pueda generar. No puede haber avivamiento sin comercio, dice, pero ¿un pichvai sigue siendo un pichvai cuando se reduce en tamaño y composición? Técnicamente, un pichvai ni siquiera debería presentar la imagen de Shrinathji. Estos estaban destinados a ser solo telones de fondo para el ídolo, dice Singhal. Pero pichvai sobrevivió porque logró convertirse en una forma de arte en sí misma. Todo evoluciona, y esta es otra forma en que el arte ha cambiado con los tiempos, agrega.

tipos de palmeras de interior